Piano en groupe : arrêtez de saboter le mix - Les pianistes, vous êtes où ?

Jouer du piano en groupe est une expé­rience radi­ca­le­ment diffé­rente du jeu en solo. Une grande majo­rité de pianistes, moi y compris, ont suivi une forma­tion (conser­va­toire, école de musique ou cours parti­cu­liers) desti­née au piano solo. Nous avons été habi­tués à porter seuls l’har­mo­nie, la mélo­die, le rythme et les basses, de La Lettre à Élise jusqu’à un arran­ge­ment pour piano d’In­ter­stel­lar. Cepen­dant, ces tech­niques et cette vision ne sont pas toujours adap­tées au jeu en groupe. On arrive à nos premières répé­ti­tions, à nos premiers concerts et :

• on ne s’en­tend pas
• on se sent inutile parce que le guita­riste joue aussi les accords
• tous nos super plans main gauche sont deve­nus invi­sibles
• notre préci­sion se perd dans un immense flou sonore

La réponse est toute­fois évidente : on en fait trop par rapport à la situa­tion et on écrase invo­lon­tai­re­ment le mix géné­ral. Rien de grave ! Avec quelques ajus­te­ments et une réflexion sur votre place dans l’équi­libre sonore, vous trans­for­me­rez votre jeu en un atout majeur pour le groupe. C’est géné­ra­le­ment ce que l’on imagine en écou­tant Bohe­mian Rhap­sody, Rocket­man ou Life on Mars.

Voyons donc comment adap­ter notre approche, depuis le choix des voicings jusqu’à la gestion des nuances, en passant par la main gauche et l’éga­li­sa­tion de ce son de piano si cher à nos cœurs.

Je joue quoi en fait ?

En solo, le piano peut occu­per tout l’es­pace sonore. En groupe, non, sauf lors du mythique passage piano-voix d’une chan­son. Cet instru­ment est extra­or­di­naire, car il peut remplir presque tous les rôles. Il est donc indis­pen­sable de se poser cette ques­tion avant de se lancer dans un arran­ge­ment :

Quelle partie de la musique je joue à ce moment-là ?

Les basses ? L’har­mo­nie ? Les exten­sions harmo­niques ? La mélo­die ? Un contre­chant ? Un osti­nato ?

Gardez systé­ma­tique­ment en tête votre rôle et commen­cez par suppri­mer les parties qui doublent un autre instru­ment.

Comment faire ?

1. Enre­gis­trez-vous en jouant avec le groupe et écou­tez-vous.
2. Puis, surtout, le plus impor­tant : écou­tez les autres.

Repé­rez ensuite les situa­tions suivantes :

• Si vous jouez, par-dessus le bassiste, une ligne de basse diffé­rente à la main gauche.
• Si vous jouez exac­te­ment les mêmes accords que le guita­riste, au risque de détruire son groove et le vôtre.
• Si vous impro­vi­sez des phra­sés très mélo­diques en même temps que le chan­teur.

Recti­fiez le tir en chan­geant vos parties. Échan­gez aussi un maxi­mum avec les autres membres du groupe. C’est le moment de jouer ensemble, de progres­ser vers de meilleurs arran­ge­ments et de faire sonner la façade comme il faut.

N’ou­bliez pas l’es­sen­tiel :

Ce doit être le plus clair possible pour l’au­di­teur. Plus l’har­mo­nie, les basses et la mélo­die seront nettes et défi­nies, plus votre groupe sera agréable à écou­ter. Tout simple­ment !

En parlant de façade, parlons de mix !

Pour expliquer l’im­pact de notre jeu sur la façade, j’aime bien établir un paral­lèle entre les touches d’un clavier et le spectre sonore.

Atten­tion : ces deux images juxta­po­sées ne reflètent pas la rela­tion exacte entre les fréquences et les notes. Le timbre d’une note grave contient notam­ment des compo­santes aiguës, et inver­se­ment.

Ce paral­lèle peut néan­moins vous aider à affi­ner votre percep­tion et à mieux comprendre les consé­quences de vos choix d’ar­ran­ge­ment sur le mix géné­ral. Jouer la main gauche en octaves, comme on peut le faire en piano solo pour ajou­ter de la consis­tance et de la puis­sance, peut faire explo­ser les basses fréquences ! Ce faisant, vous ajou­tez une couche à la basse, à la grosse caisse et aux guitares, ce qui peut déséqui­li­brer le mix et faire hurler votre ingé­nieur du son. Le mot « mix » n’est pas choisi au hasard : votre partie doit se mixer avec les autres. Le mélange de chaque musi­cien crée la magie, pas le simple cumul. Mais comment faire ? Je vais vous faire une liste non exhaus­tive des astuces que j’ai comprise à force de jouer en groupe. D’écou­ter nos masters enre­gis­trés lors des concerts et la chance d’être arran­geur dans mes diffé­rentes forma­tions.

Voici donc une liste non exhaus­tive d’as­tuces que j’ai comprises à force de jouer en groupe, d’écou­ter les enre­gis­tre­ments de nos concerts et d’ar­ran­ger les morceaux de mes diffé­rentes forma­tions.

Main gauche : moins, mais mieux

En solo, la main gauche peut jouer des basses, des accords et des arpèges. En groupe,  simpli­fiez en fonc­tion de la situa­tion :

• Évitez de doubler la ligne du bassiste à la main gauche, sauf si l’ar­ran­ge­ment le prévoit expli­ci­te­ment.
• Ne doublez pas systé­ma­tique­ment les fonda­men­tales à l’oc­tave : choi­sis­sez le registre en fonc­tion de la partie de basse et du morceau.
• Ajou­tez du rythme avec des notes fantômes très stac­cato pour groo­ver avec la batte­rie et enri­chir le carac­tère percus­sif du piano.

En revanche, faites-vous plai­sir dans les basses lorsque vous jouez un riff à l’unis­son avec le bassiste et le guita­riste parce que l’ar­ran­ge­ment le prévoit. Je pense, par exemple, au riff post-refrain de Butter­flies and Hurri­canes de Muse.

• Testez diffé­rentes dispo­si­tions de vos accords. Dans le grave, espa­cez davan­tage les notes afin d’évi­ter les voicings trop serrés. Lorsque le bassiste joue, évitez égale­ment de placer des notes de l’ac­cord sous sa ligne, sauf si cet effet est volon­tai­re­ment prévu dans l’ar­ran­ge­ment.
• À titre de repère, dans la nomen­cla­ture scien­ti­fique utili­sée ici, le do central corres­pond à C4 :
• Basse à 4 cordes : mi1
• Basse à 5 cordes : si0

Main droite : arpèges, phra­sés et harmo­nie enri­chie

La main droite peut tout écra­ser si elle est mal gérée. Voici comment l’adap­ter :

• Variez vos accords avec des arpèges lorsque l’ar­ran­ge­ment s’y prête. L’in­té­rêt dépend du registre, du rythme, du style et de l’ar­ti­cu­la­tion. En sépa­rant les notes, un arpège peut étaler dans le temps la masse sonore d’un accord plaqué. Placé dans un registre et un espace ryth­mique complé­men­taires de la guitare, un arpège stac­cato peut allé­ger la texture et renfor­cer le groove.
• Testez diffé­rents renver­se­ments. Pour faire évoluer une partie, ne vous conten­tez pas de dépla­cer le même voicing à l’oc­tave.
• Dans un même morceau, testez des voicings diffé­rents pour chaque section : couplet, refrain, pont, etc.
• Testez vos voicings une octave au-dessus des guitares. En reggae, cette sépa­ra­tion des registres est souvent très effi­cace.

• Utili­sez les octaves pour renfor­cer une mélo­die ou accen­tuer des pêches.
• Utili­sez des glis­san­dos (comme un break de batte­rie) pour dyna­mi­ser les tran­si­tions.
• Placez de petits phra­sés dans les espaces lais­sés par le chant.
• Avec les guitares, parta­gez-vous l’har­mo­nie et les phra­sés à tour de rôle afin d’al­lé­ger le mix et d’amé­lio­rer la compré­hen­sion de l’au­di­teur.

Dans le détail de certains styles

Vous commen­cez à comprendre la démarche : la perti­nence est la prio­rité. Quoi de mieux que des exemples concrets pour l’illus­trer ? Quand j’ac­com­pagne un blues, les notes les plus impor­tantes sont la fonda­men­tale, la tierce et la septième :

• La fonda­men­tale étant jouée par le bassiste, concen­trez votre main gauche dans un registre plus haut afin de renfor­cer la ryth­mique.
• Enle­vez la quinte qui n’a pas de rôle harmo­nique.
• À la main droite, vous pouvez réduire les accords de septième à leur tierce et leur septième.
• Pour ajou­ter un peu de couleur, n’hé­si­tez pas à employer la neuvième ou la sixte.

En trio jazz, il y a une multi­tude de façons de jouer le fameux ii-V-I. Un de ces exemples va vous montrer ce qu’il faut garder :

• Jouez seconde, tierce et quinte pour vos ii et I.
• Le V en tierce, septième et neuvième.
• Les fonda­men­tales sautent pour ne garder que l’es­sen­tiel des couleurs harmo­niques.
• Ceci vous libé­rera aussi la main droite pour impro­vi­ser de supers phra­sés

En salsa, le montuno au piano est un motif harmo­nico-ryth­mique syncopé et répété, souvent construit à partir des notes de l’ac­cord et arti­culé avec la clave. Au fil du morceau, le rythme peut évoluer afin de créer de la varia­tion. Certaines notes sont fréquem­ment doublées à l’oc­tave supé­rieure pour occu­per un registre plus aigu dans le mix.

Pour le rock, je voulais m’at­tar­der sur « Welcome to the Jungle », que je joue en groupe. Sur les couplets, je joue bien sûr le riff et n’hé­site pas à doubler la main gauche dans le grave. En revanche, lorsque le refrain arrive, je joue le contre­chant que l’on entend derrière, tandis que le guita­riste joue des power chords. Je le rejoins sur le ré avec seule­ment la fonda­men­tale et la quinte. J’ajoute égale­ment du rythme pour créer du mouve­ment.

Les autres tech­niques

Les nuances

On en parle toujours en solo mais rare­ment en groupe. Le groupe doit jouer avec les nuances. Les diffé­rentes sections d’un morceau (couplet, refrain, pont, etc.) peuvent présen­ter des écarts de volume. Certains morceaux peuvent même former un long cres­cendo, comme le célèbre Boléro de Ravel. N’hé­si­tez pas à jouer avec le volume, la densité de votre jeu, le rythme et le timbre de chacun afin d’ajou­ter du relief à l’en­semble et de rompre la mono­to­nie.

Deux sons de piano : la solu­tion que j’af­fec­tionne person­nel­le­ment.

Atten­tion : ma confi­gu­ra­tion est à prendre avec des pincettes ! Testez toujours vos réglages en écou­tant le mix géné­ral. Cette confi­gu­ra­tion peut consti­tuer une base de travail, mais elle fonc­tionne bien avec ma forma­tion et sans doute moins bien avec une autre.

N’ou­bliez pas qu’il s’agit aussi d’un travail de colla­bo­ra­tion avec votre ingé­nieur du son. Nous sommes arri­vés à ces réglages parti­cu­liers au cours des rési­dences effec­tuées avant la saison.

J’uti­lise donc deux sons de piano diffé­rents en concert :

Le premier est très rond, riche dans le grave et géné­reux pour mes parties en solo, notam­ment lors des passages piano-voix.

Le second est plus équi­li­bré lorsque je joue avec les autres. J’uti­lise un égali­seur pour :

• atté­nuer les fréquences infé­rieures à 200 Hz ;
• creu­ser légè­re­ment autour de 500 Hz pour lais­ser de la place aux guitares ;
• creu­ser légè­re­ment autour de 2 kHz pour lais­ser de la place au chant ;
• creu­ser légè­re­ment autour de 7 kHz, un choix très person­nel ;
• rele­ver légè­re­ment les fréquences à partir de 4 kHz.

La pédale de sustain / réso­nance : atten­tion !

Dans les passages en solo, utili­sez-la comme vous le feriez en piano solo. Elle peut alors remplir l’es­pace laissé par les autres instru­ments. En groupe, je l’uti­lise beau­coup moins : le chevau­che­ment et la réso­nance des notes peuvent rapi­de­ment densi­fier l’en­semble. Cepen­dant, si vous sentez qu’il manque de rondeur, utili­sez-la plus briè­ve­ment ou renou­ve­lez-la à chaque chan­ge­ment d’har­mo­nie afin de ne pas lais­ser réson­ner des notes appar­te­nant à l’ac­cord précé­dent. Je m’en sers toute­fois si je dois lier certains passages, par exemple lors d’un chan­ge­ment d’oc­tave ou de grands sauts mélo­diques.

À la prochaine répé­ti­tion, essayez égale­ment de jouer un morceau sans pédale et écou­tez la diffé­rence !

Dernier conseil pour mieux jouer du piano en groupe

Regar­dez ce qu’ont fait les grands, comme dans les exemples précé­dents. Essayez de trou­ver les parti­tions offi­cielles des parties de piano enre­gis­trées en studio et analy­sez les chan­sons qui vous paraissent parti­cu­liè­re­ment réus­sies. Écou­tez égale­ment les versions live et obser­vez leurs diffé­rences avec les enre­gis­tre­ments studio.