La musique électronique dites "Pure", simple Geek, où véritable musicien ?

J'avais pas vu que t'avais 18 ans. Désolé de me montrer aussi cassant mais d'expérience j'ai bien le sentiment d'être dans le débat de quelqu'un qui se cherche et veut se distinguer à partir de notions qu'il ne maitrise malheureusement pas du tout. Je perd pas de vue que je peux me tromper et que sur un forum l'interprétation est parfois piège.

La musique électronique a commencée bien avant qu'un PC soit capable d'hoster des vst et séquenceurs audios
Et rien ne t'empêche de faire de la musique électronique sans PC, même de nos jours. D'où tiens-tu ça?

Quelqu'un qui agence des sons pour procurer une émotion est un musicien. Ca va pas plus loin. Que ce soit avec des cailloux, un ordi ou un bout de bois avec des cordes dessus ne change rien.

Je connais des musiciens qui se considèrent sound designer de talent parce qu'ils bougent trois potards sur un synthés pour modifier un preset, je connais des compositeurs qui ne font que du vent et se considèrent comme de grands artistes, des musiciens qui refusent ce terme d'artiste, des artiste musicaux qui ne sont pas musiciens et des juges à l'emporte pièce...

Mon premier synthé, je l'ai acheté en 1979 et j'ai saoulé mon entourage plus d'une foi avec mes intellectuelles certitudes pompeuses sur l'art et la technologie.

ce n'est pas la musique qui est électronique mais certains outils pour la créer qui le sont

j'ai crû comprendre que le monde de la musique électronique est né du tout premier synthétiseur ... mais là encore je doit me tromper sûrement ... je pense qu'il doit être sacrément difficile de vraiment établir une "origine" à ce type de musique

Ce projet est issu de la musique d'accompagnement du film La Roue d'Abel Gance.

Il s'agit d'un parcours musical à bord de la célèbre locomotive à vapeur éponyme. Le morceau imite divers bruitages grâce aux instruments de l'orchestre symphonique: grincements de ferraille et fuites de vapeur rendus par les glissandi d'instruments aigus (violons), lourdeur du train au démarrage rendue par les instruments graves (cuivres), grand bruit de la pleine vitesse (tutti orchestral), fracas violent du freinage (percussions). Il y a de plus un aspect répétitif des bruits de roues à différentes allures, Honegger simulant l'aspect de rotation par des croches/triolets/ou doubles-croches longuement répétés, l'accélération du train grâce à des valeurs rythmiques en diminution (valeurs de plus en plus courtes), puis la décélération du train par la technique opposée, c'est-à-dire l'augmentation des valeurs rythmiques (valeurs de plus en plus longues).

L'utilisation du bruit dans la musique en tant que recherche maximale des possibilités sonores deviendra progressivement la norme musicale dominante dans la deuxième partie du XXe siècle, surtout dans la musique électroacoustique, qui, par contre, abandonnera les instruments de musique au profit des objets-instruments, des bruits du quotidien et des sonorités électroniques.

Pacific 231 est une pièce qui peut faire penser à ce qu'allait être la musique répétitive, c'est-à-dire avec une forte composante rythmique plus que mélodique, encore qu'on puisse facilement isoler plusieurs thèmes mélodiques. Le compositeur américain du XXe siècle Steve Reich, adepte de la musique répétitive, a lui aussi composé une œuvre sur les trains : Différent trains.

Ce poème symphonique est considéré comme l'une des premières œuvres musicales dites urbanistes, c'est-à-dire inspirées par la révolution technologique du début du XXe siècle. Le succès international de cette œuvre fut indéniable. Bien que n'étant pas la plus importante de son auteur, elle a fait le tour du monde, et a eu un impact culturel important à l'époque. La Symphonie n°2, dite « de fer et d'acier », de Sergueï Prokofiev a été inspirée par l'écoute de la création de Pacific 231.

je conçoit totalement que l'on puisse faire de la musique électronique sans pc (bon faut avoir les moyens hein)...

au vu de la puissance de calcul des ordinateurs d'aujourd'hui, la seule limite c'est la créativité de l'utilisateur

Automatiquement

mais je pense que pas mal des musiciens pur et dur (pur et dur = musique classique pour moi) on du mal à concevoir que l'on puisse être artiste dans la musique en employant une technique radicalement différente de la leur.

je m'amusais à créer entièrement mes propres preset sur un synthétiseur polysonique virtuel du logiciel séquenceur "Reason" sans être capable d'en faire une mélodie où quoi que ce soit ...
faut dire que ma manière de faire de la musique est excessivement "solitaire" j'ai jamais de point d'avis sur les sons que je fait (oui, des sons car je ne termine jamais de morceaux, c'est comme ça.) Donc j'avance à l'aveuglette, si je fait un truc pourri, je ne le vois pas. Où alors le lendemain si je ne l'ai pas effacé entre temps (oui j'efface tout ce que je fait aussi, je suis un grand insatisfait)
Je peux en revanche me vanter d'être un spécialiste du rythme sur les B.A.R. virtuelles (heures de pratique accumulées oblige) c'est ce qui me fait le plus "triper" et dont j'ai le plus de plaisir à pratiquer : la rythmique d'un morceau ...

Je peux en revanche me vanter d'être un spécialiste du rythme sur les B.A.R. virtuelles

"Gravitation in Time (2013)
Composition for Orchestra, Robotic Instruments, Leap motion and Electronics

Composed by GayBird

Gravity Glock (robotic instrument) concept and design: GayBird, Thomas Ip
Engineering and programming: Thomas Ip


Gravity, as an ultimate natural force on Earth, people living there may easily neglect its presence, and not to mention to its influence in our seemingly ordinary everyday experience.

We are used to take such magical force for granted, however, the potential energy that it can generate is indeed powerful. My work - Gravitation in Time, is intended to draw our attention to such force again.

To perform this piece, I have custom-made two pieces of robotic instruments - Gravity Glock. They are activated by the gravitational force, and incorporate with mechanical engineering and electronic sound processing, to provide a breath-taking audio-visual experience to audience.

Musically, the constantly progressing serpentine melodies symbolised the state of unawareness presence of gravity. The piece is structured from scattered to polyphonic texture, and developed into an integrity ensemble of repetitive melodies, that demonstrated the weight of gravity in an abstract sense.