Utiliser l'égalisation pour colorer le signal - Le guide du mixage — 20e partie

L’EQ et les couleurs

Au stade actuel, vous devriez avoir des pistes nettoyées s’ar­ti­cu­lant bien les unes avec les autres. Les pièces de votre puzzle sonore s’em­boîtent natu­rel­le­ment d’un point de vue fréquen­tiel. Mora­lité, si les enre­gis­tre­ments ont été effec­tués de façon cohé­rente par rapport au résul­tat final attendu, cette étape de « colo­riage sonore » n’est pas vrai­ment néces­saire. Seule­ment voilà, avec cette mauvaise habi­tude trop répan­due consis­tant à faire des choix tran­chés le plus tard possible dans la chaîne de produc­tion — le duo infer­nal « on verra au mix » et « on verra au maste­ring », ça ne vous dit rien ? — il y a de fortes chances pour que ce ne soit pas le cas.

Du coup, il convient de s’at­tar­der un instant sur cette ques­tion de la colo­ra­tion. Le but ici est de donner à vos instru­ments de la chaleur, du corps, de la brillance, de l’air, etc. Tout un tas de termes pure­ment subjec­tifs dont il m’est impos­sible de donner une véri­table défi­ni­tion scien­ti­fique tant leur signi­fi­ca­tion dépend du ressenti de tout un chacun. Cepen­dant, on trouve sur le net une multi­tude de pages web expli­quant que pour boos­ter le corps de tel ou tel instru­ment, il faut cher­cher entre telle et telle fréquence. Loin d’être parfaites, ces indi­ca­tions ont au moins le mérite de donner un point de départ. Et comme vous êtes des petits malins, je suis sûr que vous avez déjà remar­qué la présence de ces indi­ca­tions sur le tableau des fréquences inter­ac­tif que nous avons utilisé précé­dem­ment. Inutile donc de vouloir réin­ven­ter la roue en redon­nant une liste de ces fréquences par instru­ment et concen­trons-nous plutôt sur des conseils en regard de l’ap­proche à adop­ter.

Tout d’abord, n’ou­bliez pas que vous avez un plan ! Cette étape de colo­ra­tion se doit donc de le respec­ter. Pour parler concrè­te­ment, il serait tota­le­ment contre­pro­duc­tif d’ac­cen­tuer la présence d’une nappe de synthé ayant pour voca­tion d’être en fond de mix.

D’autre part, soyez logique. Tous les instru­ments ne peuvent pas avoir du corps, de la présence et de la brillance en même temps, sous peine d’ob­te­nir une bouillie sonore. Pensez ici à la notion de contraste et utili­sez-la à votre avan­tage. Pour prendre une analo­gie visuelle, un noir paraît plus profond lors­qu’il est entouré de blanc. Au niveau sonore, c’est la même chose. Un instru­ment sera par exemple plus brillant s’il est entouré par des instru­ments qui ne le sont pas.

Dans le même ordre d’idée, un instru­ment ne doit pas à lui tout seul être brillant, aérien, charnu et présent, à moins que vous ne travailliez sur un titre n’im­pli­quant qu’un seul et unique instru­ment.

En ce qui concerne l’as­pect pratique des choses, sachez que, comme d’ha­bi­tude, il est inutile d’y aller à la hache. Une ampli­fi­ca­tion de 2 ou 3 dB fait souvent une diffé­rence énorme. Pour ce qui est du facteur Q, notez que plus la largeur de bande est grande, moins il y a besoin de gain, et plus cela sonne natu­rel.

Enfin, contrai­re­ment aux étapes précé­dentes d’éga­li­sa­tion où un plug-in neutre est conseillé, ici un EQ typé fera souvent des merveilles. En effet, les plug-ins d’éga­li­sa­tion à la sauce « vintage » apportent souvent un surplus de « carac­tère » pour le moins inté­res­sant lors de l’am­pli­fi­ca­tion par le biais de l’ajout de distor­sion harmo­nique.

Dans le prochain épisode, nous verrons comment l’éga­li­sa­tion peut, dès à présent, être utili­sée afin de travailler la sensa­tion d’es­pace d’un mix.