Techniques simples ou fantaisistes pour améliorer les voix de vos productions - Enregistrement et traitement des voix

Alors, quel est le meilleur moyen d’en­re­gis­trer les voix de nos jours ? Bien sûr, tout est envi­sa­geable tant que vous obte­nez le résul­tat escompté. Voici quelques-unes des possi­bi­li­tés. 

Choix du micro 

Illus­tra­tion 1

Peu de sujets font autant débat que le choix du micro et du préam­pli voix. Remarquez qu’une combi­nai­son micro+­préam­pli qui sonne parfai­te­ment avec un chan­teur peut ne pas fonc­tion­ner avec un autre. Exemple typique : au cours d’une séance, ma voix était enre­gis­trée avec un micro dyna­mique à moins de 100 € et avec un élec­tro­sta­tique à 1000 €. De l’avis de tous, le micro dyna­mique sonnait mieux.

Est-ce que c’est parce qu’il était « meilleur » ? Non. Objec­ti­ve­ment, il était infé­rieur. Mais sa réponse présen­tait des anoma­lies qui flat­taient ma voix. Le micro à conden­sa­teur était précis, mais ma voix n’avais pas besoin de cette préci­sion : il me fallait une bosse de présence dans l’aigu et de la chaleur sonore (appor­tée par l’ef­fet de proxi­mité prononcé du micro. Pour rappel, l’ef­fet de proxi­mité désigne la tendance qu’ont beau­coup de micros à accen­tuer le grave lorsque vous chan­tez très près de la capsule).

Parfois, j’ai­me­rais que tous les micros soient semblables et sans étiquette. Cela force­rait les ingé­nieurs du son à rafraî­chir leur approche à chaque séance. C’est trop facile de s’ap­puyer sur les vieux clas­siques en partant du prin­cipe qu’un micro qui a donné de bons résul­tats lors d’un enre­gis­tre­ment passé fera tout aussi bien pendant la séance actuelle (ce qui n’est pas toujours vrai). De plus, il faut tenir compte de la perti­nence du couple micro/préam­pli : un micro X peut sonner très bien avec le préam­pli A mais pas avec le préam­pli B.

En bref, testez chaque micro avec un chan­teur, enre­gis­trez les résul­tats puis choi­sis­sez le modèle le plus appro­prié. Je vous recom­mande de compa­rer les micros deux par deux pour éviter d’avoir « trop d’op­tions » : choi­sis­sez le meilleur de chaque paire puis faites une finale avec les vainqueurs.

Réus­sir la meilleure perfor­mance

La perfor­mance artis­tique est beau­coup plus impor­tante que les équi­pe­ments utili­sés. Pour­tant, bien qu’elles semblent jouer un rôle négli­geable dans la perfor­mance, les tech­niques utili­sées peuvent permettre d’ex­ploi­ter au mieux les quali­tés du chan­teur. Il ne s’agit pas seule­ment de tami­ser des lumières pour amélio­rer l’at­mo­sphère mais de travailler de façon adap­tée au style du chan­teur. 

Par exemple, l’en­re­gis­tre­ment en boucle, qui consiste à enre­gis­trer succes­si­ve­ment plusieurs prises en une fois, chaque prise étant empi­lée dans une nouvelle piste ou un nouveau dossier, est parti­cu­liè­re­ment inté­res­sant car il four­nit plusieurs perfor­mances dans lesquelles on peut choi­sir les meilleurs passages. Cepen­dant, certains chan­teurs se crispent quand la musique ne s’ar­rête jamais car ils ont besoin de respi­ra­tions entre les prises. D’autres semblent au contraire se trans­cen­der lorsque la durée de la perfor­mance augmente. Autre ques­tion : est-ce que le chan­teur aime avoir une longue intro­duc­tion avant la partie à enre­gis­trer pour se mettre dans l’es­prit du morceau ou préfère-t-il attaquer direc­te­ment dans le passage à enre­gis­trer ? Trou­vez les réponses à ces ques­tions et orga­ni­sez votre maté­riel en fonc­tion. 

Des voix plus riches 

Pour épais­sir les voix, l’une des tech­niques clas­siques consiste à deman­der au chan­teur de doubler ses lignes de chant en chan­tant une nouvelle prise en même temps que la piste origi­nale. La seconde prise est géné­ra­le­ment mixée en retrait de la voix prin­ci­pale, quelque part entre –3 et –10 dB. 

Cepen­dant, vous n’au­rez pas toujours la possi­bi­lité d’en­re­gis­trer une seconde prise pour doubler la voix, par exemple parce que le chan­teur est en tour­née. Dans ces circons­tances, voici une alter­na­tive simple :

1. Copiez la piste de chant que vous voulez épais­sir pour avoir deux pistes avec la même voix.
2. Utili­sez un pitch shif­ter logi­ciel ou maté­riel sur l’une des pistes ou désac­cor­dez la piste si cette option existe dans le programme que vous utili­sez (illus­tra­tion 2).
3. Pour le réglage du pitch shif­ter, voici un bon point de départ :

• Pitch Shift = de –20 à –30 centièmes
• Dry Mix = 0
• Wet Mix = 100 (vous voulez unique­ment le son traité) 

Illus­tra­tion 2

Si votre plugin possède un para­mètre de feed­back, réglez-le à 0. Si le temps de delay et une modu­la­tion sont dispo­nibles, essayez de modu­ler très lente­ment la hauteur tonale sur une plage de 3 à 15 centièmes. Cela permet d’ajou­ter de légères varia­tions. Atté­nuez aussi le niveau de la prise trai­tée de sorte qu’elle ne concur­rence pas la prise prin­ci­pale mais la complète. Bien entendu, il ne s’agit ici que de sugges­tions qui donnent de bons résul­tats avec ma voix ; modi­fiez-les selon vos goûts.

Pour épais­sir encore le son, placez les deux pistes de voix autour du centre de l’image sonore. Si vous placez une voix tota­le­ment à droite et l’autre tota­le­ment à gauche, vous enten­drez deux voix distinctes et non plus une voix compo­sée (cepen­dant, il se peut que ce soit l’ef­fet recher­ché).

En bref, « pannez » légè­re­ment les voix sur la gauche et la droite (par exemple à 10h pour la gauche et à 2h pour la droite). Cela permet d’ob­te­nir un son légè­re­ment plus plein et une diffu­sion stéréo plus large.

Synthé­ti­ser les harmo­nies vocales 

Ill. 3 : le Digi­Tech VL2 peut géné­rer deux harmo­nies à partir d’une voix et four­nit des trai­te­ments vocaux.

Géné­ra­le­ment, on obtien­dra le résul­tat le plus natu­rel possible en chan­tant les harmo­nies. Mais il arrive que les picth shif­ters, qui ne sont pas parfaits, ajoutent des impré­ci­sions de timbre et de timing qui peuvent donner de meilleurs résul­tats dans certaines situa­tions. Les solu­tions logi­cielles ne sont pas les seules : des fabri­cants tels que Digi­Tech et TC Elec­tro­nic proposent des proces­seurs pour voix maté­riels. Par exemple, bien que conçus pour la scène, les Digi­Tech VL2 (illus­tra­tion 3) et VL4 sont égale­ment utiles en studio pour géné­rer des harmo­nies et trai­ter des voix.

Voici un exemple de créa­tion d’har­mo­nies avec le proces­seur V-Vocal de Sonar (le prin­cipe est le même avec d’autres programmes de correc­tion de la hauteur tonale, notam­ment Cele­mony Melo­dyne, et avec les options de correc­tion du pitch de MOTU Digi­tal Perfor­mer). L’illus­tra­tion 4 montre deux pistes de voix : la piste que l’on aperçoit en arrière-plan dans le coin supé­rieur gauche est la voix origi­nale, celle en dessous est une version « clonée ». La piste du clone a été trans­for­mée en clip V-Vocal, autre­ment dit elle peut être trai­tée à l’aide du correc­teur de hauteur tonale du V-Vocal.

Illus­tra­tion 4

Le V-Vocal affiche une ligne rouge et une ligne jaune super­po­sées à la forme d’onde. La ligne rouge repré­sente la hauteur tonale origi­nale de la voix, tandis que la courbe jaune a été « redes­si­née » pour modi­fier la hauteur tonale et créer ainsi une harmo­nie. Oui, c’est aussi simple que ça : modi­fiez simple­ment la hauteur (pitch) jusqu’à obten­tion de l’har­mo­nie recher­chée.

Atten­tion toute­fois à ne pas abuser du pitch shif­ting : plus vous vous éloi­gnez de la hauteur origi­nale, moins le son est réaliste. C’est pourquoi le V-Vocal possède un outil permet­tant de modi­fier les « formants » (carac­té­ris­tiques) des voix pour que les pistes de chant trans­po­sées sonnent de façon plus natu­relle. Il se peut que vous ne souhai­tiez pas conser­ver les formants origi­naux pour créer une « voix à l’hé­lium », auquel cas trans­po­sez vers le haut, ou une voix style Dark Vador, auquel cas trans­po­sez vers le bas.

Pistes de voix compi­lées

Le copier-coller a béné­fi­cié aux voix car il permet de faire plusieurs prises puis d’as­sem­bler les meilleurs passages pour obte­nir la voix « compi­lée » parfaite. Certains produc­teurs trouvent que de tels assem­blages ne donnent pas de résul­tat aussi natu­rel qu’une prise effec­tuée du début à la fin du morceau. D’autres estiment qu’en choi­sis­sant parmi plusieurs prises, ils obtiennent des parties de voix plus nuan­cées qu’avec une seule prise. Pour réali­ser des voix compi­lées, voici les étapes prin­ci­pales : 

1. Enre­gis­trez les prises. Enre­gis­trez suffi­sam­ment de prises pour que les diffé­rentes versions permettent de compi­ler une bonne perfor­mance vocale (l’en­re­gis­tre­ment en boucle est parti­cu­liè­re­ment pratique pour les voix).

2. Écou­tez ce que vous avez enre­gis­tré. Écou­tez chaque prise et isolez les passages inté­res­sants (en coupant les passages inutiles). Lorsque vous compa­rez des prises, je vous conseille de placer les marqueurs de boucle autour de phrases très courtes puis d’écou­ter succes­si­ve­ment chaque prise en solo. Si vous jugez qu’une prise n’est pas bonne, coupez la phrase. Si une prise est candi­date au mixage final, conser­vez-la.

Sélec­tion­nez les trois meilleures pistes et suppri­mez les passages corres­pon­dants des autres prises. Procé­dez ainsi jusqu’à avoir passé en revue l’en­semble du morceau et trouvé les meilleurs passages (illus­tra­tion 5).

Ensuite, écou­tez des combi­nai­sons des diffé­rentes phrases. Faites la part des choses entre les aspects tech­niques et artis­tiques : sélec­tion­nez les parties qui s’en­chaînent bien ainsi que celles qui sont accep­tables sur le plan tech­nique. Parfois, vous pour­rez choi­sir déli­bé­ré­ment une version peu expres­sive d’une phrase si cette dernière inter­vient juste avant un passage à forte portée émotion­nelle afin de renfor­cer le contraste.

Après avoir sélec­tionné les segments néces­saires à une perfor­mance cohé­rente, effa­cez les parties inuti­li­sées. Pensez éven­tuel­le­ment à archi­ver certaines données, au cas où… En revanche, si vous êtes déçu du résul­tat après avoir assem­blé les phrases, il vaudra mieux refaire des prises plutôt que d’in­ves­tir toujours plus de temps dans l’édi­tion audio.

3. Éditez la piste compi­lée. A ce stade, vous voudrez certai­ne­ment nettoyer les prises à l’aide de trai­te­ments numé­riques dont vous avez le secret. Voici quelques procé­dés clas­siques :

Illus­tra­tion 5 

• Réglage du gain basé sur la phrase. Si une phrase présente des écarts de niveau (elle est objec­ti­ve­ment plus ou moins forte qu’une autre phrase), utili­sez un trai­te­ment adapté ou l’au­to­ma­tion du programme pour régler le problème.

• Trai­tez les bruits de respi­ra­tion et d’in­ha­la­tion. Il se peut que certains bruits de respi­ra­tion très pronon­cés résultent de la combi­nai­son de deux prises diffé­rentes. Dans ce cas, coupez-en une. Cepen­dant, ne suppri­mez pas tous les bruits de respi­ra­tion car ils parti­cipent au carac­tère vivant de la musique.

• Au besoin, ajou­tez des trai­te­ments de la dyna­mique, de la reverb, égali­sez, etc. Ne trai­tez pas les prises pendant que vous les décou­pez : il devient compliqué de faire corres­pondre les effets et certaines queues de reverb peuvent être inter­rom­pues. Effec­tuez les trai­te­ments après avoir opti­misé toute la piste pour obte­nir les meilleurs résul­tats.

Réglez les problèmes de voix doublées

Avec les parties de chant doublées, il arrive que deux voix fonc­tionnent parfai­te­ment ensemble sauf sur quelques mots occa­sion­nels. Plutôt que de réen­re­gis­trer la seconde voix ou d’y ajou­ter des over­dubs, copiez la section incri­mi­née de la voix origi­nale. Collez-la dans la seconde piste de voix mais retar­dez-la avec un delay de 20 à 30 ms. Tant que le segment est suffi­sam­ment court, vous n’au­rez pas de problème (les segments plus longs sonne­ront comme un écho ; cela peut fonc­tion­ner mais ne corres­pond plus à une voix doublée). 

Compres­sion des voix

Illus­tra­tion 6

Le contrôle de la dyna­mique est un para­mètre essen­tiel de l’en­re­gis­tre­ment des voix. Le meilleur contrôle de la dyna­mique réside dans la capa­cité du chan­teur à ajus­ter sa posi­tion par rapport au micro, un peu comme s’il « jouait du trom­bone à coulisse » : micro rappro­ché pour les passages inti­mistes et éloi­gné pendant les parties chan­tées fort. Malheu­reu­se­ment, peu de chan­teurs maîtrisent parfai­te­ment leur posi­tion par rapport au micro et vous devrez souvent recou­rir au contrôle élec­tro­nique de la dyna­mique (compres­sion, voir illus­tra­tion 6).

On peut utili­ser la compres­sion pour d’autres appli­ca­tions, par exemple pour donner un carac­tère plus intime à la voix ou pour ampli­fier les portions de signal les plus faibles. Quoi qu’il en soit, et quelle que soit votre appli­ca­tion, ne compres­sez pas exagé­ré­ment pour éviter de tuer la vie dans vos prises de voix. Voici quelques conseils pour une compres­sion opti­male :

• Les réglages les plus impor­tants sont Thre­shold (niveau seuil) et Ratio (taux de compres­sion). Pour atté­nuer les crêtes tout en conser­vant le reste de la réponse dyna­mique presque intacte, choi­sis­sez un ratio élevé (10:1 ou plus) et un seuil rela­ti­ve­ment haut (de –1 à –6 dB). Pour un son plus compressé, abais­sez le seuil. Si la compres­sion est exces­sive, essayez un ratio plus faible.

• Obser­vez l’af­fi­cheur de la réduc­tion de gain qui indique la réduc­tion de niveau appliquée au signal entrant. Géné­ra­le­ment, vous n’au­rez pas besoin de plus de 6 dB de réduc­tion, ce qui est déjà consé­quent. Pour une réduc­tion de gain moins impor­tante, augmen­tez la valeur du seuil ou rédui­sez le taux de compres­sion (ratio).

• Ajus­tez le niveau de sortie pour qu’il s’ap­proche le plus possible de 0 dB sans jamais dépas­ser cette limite.

• Les taux de compres­sion faibles (de 1,5:1 à 3:1) produisent un son plus natu­rel que les ratios élevés.

• Avec un temps d’at­taque à 0, la compres­sion des crêtes est instan­ta­née. C’est le type de compres­sion le plus dras­tique. Si vous voulez que le signal ait un niveau moyen élevé sans jamais atteindre 0 dB, utili­sez un temps d’at­taque de 0. Person­nel­le­ment, je préfère un temps d’at­taque de 5 à 20 ms pour lais­ser passer quelques crêtes, même si c’est au prix d’un niveau moyen légè­re­ment moindre.

• Le para­mètre Decay (déclin) n’est pas aussi impor­tant que l’at­taque. Commen­cez entre 100 et 250 ms.

• Le para­mètre Knee (pas toujours présent) contrôle le temps de montée de la compres­sion. Avec la carac­té­ris­tique Soft Knee, lorsque le niveau d’en­trée dépasse le seuil, le taux de compres­sion appliqué est d’abord faible, puis augmente jusqu’au taux de compres­sion fixé au fur et à mesure que le niveau d’en­trée s’ac­croît. Avec la carac­té­ris­tique Hard Knee, le taux de compres­sion fixé est appliqué instan­ta­né­ment dès que le niveau d’en­trée excède le seuil. Utili­sez Hard Knee lorsque le contrôle des crêtes est une prio­rité et Soft Knee pour limi­ter la colo­ra­tion du son.

• Certains compres­seurs possèdent une fonc­tion qui règle les temps d’at­taque et de déclin de façon auto­ma­tique en fonc­tion du signal source. Il s’agit certai­ne­ment du meilleur réglage si vous êtes débu­tant.

Conseils concer­nant la reverb

Illus­tra­tion 7

Une bonne reverb n’a pas son pareil pour mettre le chant en valeur. Pour les voix, je privi­lé­gie un espace acous­tique natu­rel. Cepen­dant, les lieux dédiés étant en voie de dispa­ri­tion, vous utili­se­rez certai­ne­ment une reverb numé­rique. Le réglage d’une reverb est une affaire de goût. Deux para­mètres sont parti­cu­liè­re­ment impor­tants (illus­tra­tion 7).

La diffu­sion. Pour les voix, je préfère une diffu­sion faible où chaque réflexion est « sépa­rée ». Les réglages de diffu­sion faibles sonnent souvent très bien avec des percus­sions car les échos indi­vi­duels font l’ef­fet de billes rebon­dis­sant sur une plaque d’acier. Avec les voix, un montant réduit de réflexions permet d’évi­ter que le chant soit submergé par une réver­bé­ra­tion trop géné­reuse.

Le pré-delay. Les valeurs de 50 à 100 ms donnent de bons résul­tats. Le delay permet aux attaques de la voix de percer le mix sans reverb et aux parties de chant tenues de profi­ter de la réver­bé­ra­tion.

Augmen­tez l’in­tel­li­gi­bi­lité

Ampli­fiez le haut-médium (autour de 3 à 4 kHz) avec un égali­seur pour augmen­ter l’in­tel­li­gi­bi­lité et le « claquant » des voix. Voici une propo­si­tion pour mettre un peu d’ani­ma­tion dans le son :

Trai­tez la piste avec un plugin d’ef­fet enve­lope follo­wer en paral­lèle (au besoin, faites une copie de la piste pour créer la boucle d’ef­fet paral­lèle). Réglez le filtre autour de 2,5 à 4 kHz et l’en­ve­loppe de sorte qu’elle suive la voix. Mixez le tout en retrait de la voix pour éviter que l’ef­fet soit trop prononcé.

Pendant les parties chan­tées, le balayage des fréquences souligne le haut-médium de façon chan­geante et dyna­mique. Si vous distin­guez ces varia­tions, le filtre est mixé trop fort : l’ef­fet doit être très subtil et audible unique­ment lorsque vous isolez la piste de voix à un volume d’écoute élevé. Mais essayez : ça peut accen­tuer le côté vivant des voix de façon impos­sible à obte­nir autre­ment.

J’es­père que ces conseils vous ont donné quelques idées pour amélio­rer les voix que vous produi­sez. Souve­nez-vous juste que la voix est l’ins­tru­ment le plus intime. Par consé­quent, concen­trez-vous d’abord sur la perfor­mance car la grande majo­rité des équi­pe­ments actuels donne­ront de bons résul­tats à partir du moment où la perfor­mance artis­tique est bonne ! 

Origi­nel­le­ment écrit en anglais par Craig Ander­ton et publié sur Harmony Central.

Traduit en français avec leur aimable auto­ri­sa­tion.